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KING CRIMSON
Il rock tra l'epica e la disciplina

Prologo

Strano personaggio Robert Fripp. Strano e unico personaggio in un mondo del rock che, almeno all'epoca della sua formazione musicale (da autodidatta), derivava da un humus culturale e di costume legato indissolubilmente ad un certo ribellismo da teddy boys. Poi sesso e groupies, droga a volontà, macchine veloci, Harley Davidson e viaggi infernali, Jack Kerouak e le porte della percezione, trasgressione e omologazione. La nascita della gioventù come entità autonoma nel pensiero, nel costume, nel vestire, nei rituali, nelle (ir)responsabilità ha avuto una colonna sonora bellissima, travolgente e commovente. Ma le colonne sonore, si sà, a volte slegate dalle immagini perdono forza e vigore, le decontestualizzi e ti ritrovi con un pugno di mosche in mano. E poi tutti invecchiano e dopo un pò l' entusiasmo non basta più. Robert Fripp è uno di quei personaggi che hanno salvato il Rock da se stesso, ma per farlo hanno dovuto accompagnarlo verso la senescenza e, lentamente, impercettibilmente, ucciderlo. Perchè Robert Fripp, sia ben chiaro, è pienamente un musicista rock, ne possiede l'approccio, la ritmica, l'impatto, la commercialità. Ma ne rifiuta la prospettiva. Egli dichiara in tempi non sospetti la sua volontà di ricerca nell'ambito di un rock 'mentale', non esclusivamente 'fisico', che gli procura il malcontento dei più. Ma cosa vuole questo borioso provinciale borghese? Perchè complicare una cosa in fondo così semplice come il rock? La risposta è forse lapalissiana: perchè Fripp (ma, intendiamoci, non è certo l' unico) è un musicista che usa le forme del rock come linguaggio, come tramite, non un ragazzo che fà il musicista per esprimersi nell'idioma della propria tribù generazionale, culturale ed emotiva e che quindi diventa musicista rock. Il cambio di prospettiva è copernicano, ed è il cambio di prospettiva del rock da espressione ad arte, che in quanto tale parla ai posteri come ai contemporanei e necessita di disciplina (parola chiave per la musica di Fripp) e struttura.

Atto Primo

Dopo esperienze musicali trascurabili, un trasferimento a Londra nel 1967 e un disco altrettanto trascurabile con i fratelli Giles ("Giles, Giles and Fripp: The Cheerful Insanity Of..."), nel 1969 Bob Fripp forma i King Crimson, con appunto i fratelli Michael e Peter Giles e il fiatista Ian Mc Donald. Con la sostituzione successiva di Peter Giles con Greg Lake, poi negli Emerson Lake and Palmer, la line-up per il disco di esordio è completa. Il gruppo ha una frenetica attività live con materiale originale che confluirà nell'esordio e in parte nell'album successivo: il 10 Ottobre del 1969 esce " In The Court Of The Crimson King", in un certo senso atto costitutivo del genere che successivamente sarà noto come progressive. Come ben testimonierà successivamente il cofanetto postumo "Epitaph", il disco risulta più ordinato e razionale rispetto alla attività live, meno dirompente. "In The Court Of The Crimson King" è disco bello ed epocale, forse più epocale che bello. Cinque brani famosissimi tra gli appassionati del genere e anche oltre. Una partenza fulminante con il delirio di "21st Century Schizoid Man", con la voce filtrata di Lake che declama l'apocalittico testo di Sinfield sul riff chitarristico, poi un lungo break strumentale con la fuga in progressione di chitarra e sax e ripresa successiva del tema portante. Brano aspro e frenetico, costeggiante l'improvvisazione senza mai toccarla. Poi un clamoroso cambio di atmosfera con "I Talk To The Wind", di Ian McDonald: melodia dolcissima, di sapore antico, rinascimentale, impreziosita da due bellissimi stacchi in cui il flauto svolge un toccante tema melodico. A seguire l'inquietante epica di "Epitaph" e della title-track, con il mellotron che stacca in continuazione disancorando i brani dalla loro fisicità, ed in mezzo "Moonchild", brano tutto giocato su un tenue minimalismo strumentale, con un'iniziale delicata melodia che si sgretola presto in una lunga improvvisazione tangente al silenzio.

Tutti i brani nascono da idee iniziali brillantissime, che sono enormemente sovraccaricate di impatto strumentale come di tensione drammatica. Già i Moody Blues usavano il mellotron, già i Nice giocavano con ambizioni classiche, già i Procol Harum, tra gli altri, dilatavano i brani; Ma di fronte a "In The Court Of The Crimson King" tutto ciò sbiadisce come timido prologo: è il passaggio, preparato, studiato e consapevole del Rubicone verso un nuovo genere. E lo è non tanto e non solo per quello che vi è suonato o per come è stato suonato, ma anche per quello che codifica, per il pensiero estetico, culturale e per le ambizioni che manifesta. Velleità che non sono, a mio parere, risolvibili nella commistione del rock con la musica classica, come certa critica di grana grossa ha affermato per decenni, ma nella creazione di un approccio che è mentale e ideale prima che compositivo. Un intendimento che esca dalle vecchie traiettorie del rock come forma musicale viscerale, emotiva, generazionale, politica, funzionale allo svolgersi di stanchi rituali di stupefacente conformismo artistico; traiettorie del rock, difatti, come musica di ghettizzazione artistica, urlata ma in realtà trascurabile e ininfluente. "In The Court Of The Crimson King" è l'inizio del tentativo rivoluzionario di fare del rock una forma d'arte, in cui il messaggio fosse insito nella ricerca estetica, in cui non esistesse un contesto o uno sfondo ma solo pura forma, disciplina e cristallizzazione della bellezza come categoria primigenia. In tal senso, o per lo meno anche in tal senso, va ricercato il rifrangersi del progressive nella musica classica. L'esordio dei King Crimson fu l'esordio di un fallimento di successo, perchè retrospettivamente possiamo forse dire che il tentativo alla lunga fallì per mancanza generale di coraggio e di visione, ma ciò che nascerà dalle macerie fumanti non sarà più rock ma la sua caricatura, oppure la sua immagine spettrale. Disco epocale, tra grandeur, enfasi e l'inquietudine del profondo. Disco di saldissima struttura melodica, potente, delicato, iperazionale ma anche di impeto e tempesta, "In The Court" assume pienamente l'impatto e la ciclicità spaziale del rock. E qui stà il suo limite più evidente, rifiutandone i perimetri dello spettro espressivo.

L'anno successivo esce "In The Wake Of Poseidon": se ne va Mc Donald (un talento, una meteora e un mistero del progressive) ed entrano il cantante Gordon Haskell, il fiatista Mel Collins e il grande pianista jazz Keith Tippett, che avrà un grande e misconosciuto ruolo nell'evoluzione successiva del gruppo. La formazione è instabile e inquieta. La prima facciata ripercorre pedissequamente il primo lato dell'esordio, con un brano iniziale tirato, riff chitarristico e crescendo centrale, seguito da una ballata, anche qui splendida ("Cadence And Cascade"), e da uno psicodramma per mellotron. Le similitudini finiscono qui. La seconda facciata presenta sostanzialmente due brani: una intelligentissima finta jam jazzata sulla base di un motivetto cabarettistico ("Cat Food") ed un'inquetante e possente crescendo marziale, costruito attorno al nucleo di "Mars" del compositore Holst, con il mellotron che apre virtualmente all'infinito. Se l'esordio era un progetto corale, il seguito è un disco dominato dalla figura di Fripp. "Un grande disco e un disco deludente" è stato detto, non senza ragione, perchè se è eccellente la musica ivi contenuta, non si rileva la stessa forza visionaria e la stessa suggestione dell'atto di avvio. L'instabilità del gruppo si accentua, se ne vanno i fratelli Giles e, definitivamente, Lake. Fripp chiama alla corte dei jazzisti della frenetica scena inglese (oltre a Tippet, Charig, Miller e Evans). Da questa precarietà nasceranno i due capolavori assoluti dei King Crimson e del progressive tutto.

Il primo si chiama "Lizard" ed esce sempre nel 1970: la discontinuità rispetto ai due dischi precedenti appare netta e spiazzante. L'influenza della scena art-jazz inglese si evince palese nel mood dei pezzi, se non proprio nelle composizioni medesime. Se agli esordi si operava sulla sovrastrutturazione di nuclei melodici primigeni, adesso ci si focalizza, pur essendo "Lizard" disseminato di intuizione melodiche geniali, sulla cura di arrangiamenti spiazzanti, sovraccarichi di incisi, accordi, rimandi, contrappunti, con vasta aree apparentemente free-form di jazz progressivo. Se prima dominava l'epica e il lirismo, addesso prevalgono le melodie sghembe, taglienti, ironiche, che galleggiano su una miriade di geniali intuizioni strumentali. Il tutto dona al disco un qualcosa di inquietante, di estraniante, di instabile. La prima parte dell'album è in tal senso paradigmatica, con Fripp all'acustica che nell'iniziale  "Cirkus" divaga distaccato in controcanto rispetto alla linea vocale stralunata di Haskell; poi soli di sax e mellotron in un brano dalla costruzione magistrale. Segue l'indolente "Indoor Games", dalle continue punteggiature jazz, seguita dalla sarcastica "Happy Family", con voce filtrata e gli strumenti che si inseguono e si intersecano in una jam lunare. Chiude la prima facciata la dolcissima "Lady Of The Dancing Water", toccante madrigale per flauto, acustica e bel testo di Sinfield, forse il brano più sentimentale scritto da Fripp. La seconda contiene la (falsa) suite "Lizard", con una prima parte "Prince Rupert Awakes", bella e aperta melodia cantata da un ancora non celebre Jon Anderson, che si sfrangia ben presto in "Bolero-Peacock's Tale", che incanta per tramite di una struggente melodia all'oboe, da cui sviluppa una complessa partitura per fiati. Segue la terza parte, "The Battle of Glass Tears", con Haskell che riappare in una gelida e aliena cantilena. Poi bordate di mellotron a decomprimere una fase rabbiosamente 'free-form' e, a chiudere, i tre minuti futuristi di "Big Top", una nota di basso incombente con accordi spettrali e sospesi di Fripp. "Lizard" è un disco unico, complesso, raffinatissimo, di grandissimo spessore compositivo e emozionale. Un album che si esprime nei particolari, ascolto dopo ascolto, e per questo, a suo modo, risulta fragile e persino alieno anche allo stesso maistream del progressive. Dopo "Lizard", un'opera che potrebbe irradiare un'intera carriera, i King Crimson, sempre più instabili e precari, compiono un'impresa incredibile, dando alle stampe un disco ancora più bello. Si chiama "Island" ed esce nel 1971. Boz sostuituisce Haskell alla voce, mentre la line-up di ospiti jazzisti rimane immutata.

"Island" condivide la raffinatezza e la ricercatezza del predecessore, ma è al contempo meno algido e lezioso, con momenti di grandissimo pathos musicale, difficilmente eguagliabile, che i King Crimson (e Fripp) non raggiungeranno mai più. "Formentera Lady" inizia come una malinconica e oscura ballata, con Keith Tippet al piano e Mel Collins al flauto che si inseguono meditabondi, poi una lunga chiusa di incredibile suggestione con un giro di basso che ancora al suolo un coacervo di voci spettrali (è presente anche una soprano) ed un sax triste e nervoso, che vaga inquieto. Un brano in qualche modo spaziale, pur essendo completamente acustico, dal clima irreale, vicino in qualche modo a forme di musica contemporanea. Poi un lungo e vibrante assolo in progressione di Fripp ("Sailor's Tale") e "The Letters", tristissima e straniante. La seconda parte inizia con "Ladies Of The Road", una personalissima interpretazione di Fripp su 'come fare un pezzo alla Beatles' eppure renderlo inconfondibilmente dei King Crimson. Chiudono, con un brusco cambio di clima, "Song Of The Gulls", un bellissimo pezzo classico per archi e oboe, e la lunga "Islands", a mio parere l'episodio più bello mai composto da Fripp, peraltro su un bellissimo testo di Sinfield: un brano malinconico, lirico e toccante, con degli inserti pianistici raffinatissimi e indimenticabili di Tippett ed un finale liberatorio, con il mellotron che accompagna un solo al sax da brivido. Nel complesso "Lizard" e "Island" sono opere uniche e ineguagliate nella storia del rock. Opinione personalissima, s'intende. Si, perchè di questo ancora si tratta, in fondo, giacchè nella loro vertigine e nella loro alterità formale rimangono sullo sfondo le vestigia del Rock: spolpate, disincarnate, sublimate, ma presenti. Dopo "Island" si chiude la prima fase dei King Crimson, con la coda del live "Earthbound", trascurabile, quasi volutamente mal prodotto e registrato malissimo. Il gruppo si scioglie e per un pò i King Crimson sembrano un ensemble sepolto.

Atto Secondo

Nel 1973 esce "Larks' Tongues In Aspic". Fripp ha praticamente formato un altro gruppo, con altri musicisti, con un'altra filosofia e con un approccio distantissimo dagli esordi. Solo la sua presenza giustifica la sopravvivenza del nome. Il Re ha chiamato a sè Bill Bruford alla batteria (trasfuga dagli Yes), John Wetton al basso (ex-Family), il violinista David Cross, che sostituisce il sax, alla seconda voce solista e Jamie Muir, che se andrà dopo poco, alla percussioni. Questa line-up caratterizzerà tutta la seconda fase del gruppo, fino al 1975. Bruford e Wetton, che funge anche da vocalist, costituiscono una sezione ritmica potente, granitica e irrequieta, di grande impatto sonoro. Ma, al contempo, creativa e moderna, che ben si compenetra con il nervoso e elegiaco violino di Cross e con la chitarra di Fripp, che assume un approccio diverso allo strumento, dimenticando quasi del tutto i toni acustici e votandosi a suoni aspri, taglienti, secchi, geometrici, a scale vorticose. Rimane Muir, usato come elemento terroristico di disordine percussivo, che se ne andrà dopo "Larks' Tongues In Aspic" e di cui non esistono, almeno a mia conoscenza, testimonianze live. Se ricordavamo i King Crimson come gruppo di surreale antitesi del rock, il gruppo che reincontriamo in "Lark's Tongue In Aspic" riacquista dal rock il linguaggio e la spazialità, interpretandoli però in maniera libera e originale, in un appassionante dialogo tra disordine e schema, tra caos free-form e libertà jazz rock da una parte e riff squadrati dall'altra. Questa dicotomia è, in realtà, un'analisi soprattutto postuma. Mi spiego meglio: i King Crimson della seconda fase sono essenzialmente un formazione live, che in tale dimensione trova pieno compimento nell'incontro/scontro tra un'anima improvvisativa e un'anima di forte rigidità formale, tra astrazione e durezza, tra impatto e lirismo. Il primo disco di tale formazione, "Larks'" appunto, è considerato a torto un gran disco, ma in tutti i casi può essere valutato come tale solo nell'ottica della non conoscenza delle testimonianze, quasi tutte postume, dell'impatto live del gruppo, al confronto delle quali la prova in studio è una pallida copia senza forza.

L'impatto di "Larks'" è comunque dirompente. Il disco comprende tre strumentali ("Larks' Tongues In Aspic" parte prima e seconda, posti all'inizio e alla fine, e "The Talking Drum") e tre brani cantati ("Book Of Saturday", "Exiles" e "Easy Money"). L'incipit, con la prima parte della title-track, è già programmatico dello stile del gruppo, con un inizio di delicato rumorismo ad opera di Muir che si risolve in un cupo e sospeso accordo di violino a preludere l'entrata di Fripp, che infila una serie di passaggi chitarristici ora frenetici ora quasi hard, con la sezione ritmica in piena epilessia a divagare su territori jazzati. Il violino di Cross chiude poi il brano in toni più lirici, sebbene sempre oscuri. Già dal primo brano appare abissale il distacco dal gruppo di "Islands": innanzi tutto i King Crimson sono in parte diventati una band guitar-oriented, poi il sound complessivo è condizionato dalle notevoli capacità tecniche dei musicisti, molto superiori alle precedenti formazioni. Prevalgono toni minacciosi, oscuri, con derive quasi hard che si sfrangiano in un'eccletismo strumentale, vero elemento centrale e 'progressivo', con continue ed inaspettate variazione ritmiche e melodiche, e la sezione ritmica che assurge a ruolo creativo, con forti richiami, almeno come impostazione di fondo, al jazz-rock. Ancora più lampante in tal senso la seconda parte della title-track, con Fripp che costrisce tutto il brano su semplici riff chitarristici lanciati in progressione e espansi via via da innumerevoli inserti strumentali, fino all'esplosione finale. In "Talking Drum" un'ipnotica base ritmica in crescendo fa da sfondo ad una linea melodica vagamente orientaleggiante, tenuta da Cross e doppiata dalla chitarra lancinante di Fripp. Più deludenti i brani cantati, con la breve "Book of Saturday" che prova senza successo lirismi più centrati in prove precedenti.  "Easy Money" stupisce per la banalità della melodia, salvata solo dagli equilibrismi frippiani (molto più coinvolgenti nella dimensione live, comunque). Più riuscita la malinconica "Exiles", con bellissimi stacchi di Cross al violino. Opera a mio parere un pò sopravvalutata, "Larks' Tongues In Aspic" risulta comunque un passaggio importante, perchè stampo di un nuovo sound foriero di ulteriori sviluppi e soprattutto tutt'ora moderno. Se infatti i brani della prima fase del gruppo ascoltati oggi, al di là dei giudizi, appaiono senz'altro, anche ad un ascoltatore distratto, appartenenti a stagioni passate, non é questo il caso dei pezzi di "Larks'", in particolare degli strumentali, posti come sono tra la tesi di un rock aspro e diretto e l'antitesi della sua negazione in un intellettualismo tipico dei Crimson, in tutte le varie incarnazioni passate e future, che ne rompe non solo gli schemi ma anche il mood e il pubblico di riferimento. La musica del gruppo in questa fase parte sicuramente dal recupero di una visceralità rock, che però viene sottoposta ad una decomposizione, una consapevole e programmatica ristrutturazione su basi puramente razionali.

L' anno successivo esce "Starless and Bible Black", senza Muir, disco che ricalca le orme dell'opera precedente con però più lucidità. La prima facciata comprende ben sei brani, con due assoluti gioelli strumentali: "We'll Let you Know", grande finta-improvvisazione con basso rombante di Wetton, e la straordinaria "Trio", cinque minuti toccanti di delicati aforismi sonori. Segue "The Mincer", con Fripp che delizia per tramite dei suoi tipici stacchi alienati supportati dal mellotron, e poi la splendida "The Night Watch" con un assolo di Fripp che farà scuola. Da ricordare anche l'iniziale "The Great Deceiver", dove Fripp fà le prove generali per le scale frenetiche che sfrutterà (fin troppo) nel futuro ed il solito tentativo di canzone melodica con "Lament". Nel complesso, il gruppo sembra toccare con più consapevolezza e raffinatezza una dimensione astratta e indeterminata appena accennata nel disco precedente. A testimonianza di ciò, i nove minuti della title-track che apre la seconda facciata: una lunga e delirante jam esistenziale, iperdescrittiva, inquietante, che fà da preludio agli undici minuti finali di "Fracture", che riprendono in pieno il filo di "Larks' Tongues In Aspic Part 1".

Il disco successivo, "Red", esce nello stesso 1974 a gruppo sostanzialmente già sciolto. Come da caratteristica del combo, l' instabilità è direttamente proporzionale alla creatività e "Red" non fà eccezione essendo, a mio parere, il vero capolavoro della seconda fase dei King Crimson. Il disco è attribuito ad una formazione a tre (Fripp, Wetton e Bruford) con Cross che appare come ospite assieme ai redivivi Mc Donald, Collins, Miller e Charig. L'iniziale title-track diverrà un classico, sia perchè tutt'ora highlight da concerto sia, e soprattutto, perchè lo squadrato barrage chitarristico su cui è costruita farà da modello per tante prove successive in anni anche molto più recenti. Le seguenti "Fallen Angel", con alcuni richiami alle passate stagioni di "In The Wake Of Poseidon", e "One More Red Nightmare" sono di gran lunga le canzoni migliori composte da questa formazione: melodica ed epica la prima, più nevrotica la seconda, che sembra costruita strumentalmente per fare emergere la grande bravura e sensibilità di Bruford. Poi otto minuti di improvvisazione senza centro, patrimonio dei concerti ("Providence"), ed infine l'apoteosi di "Starless": una linea melodica indimenticabile di Fripp, su fondo di mellotron, si alterna alla voce volumetrica e malinconica di Wetton su intercalari di sax. A seguire, un ostinato accordo minimale alla chitarra che sale all'infinito, fino ad una furibonda jam che all'apice della tensione si libera nella ripresa della primitiva linea melodica, con il basso triturante di Wetton che entra nello stomaco. Dodici minuti mirabili, sicuramente tra le massime espressioni dei King Crimson. In generale, "Red" è disco relativamente più diretto e meno ecclettico e tortuoso dei precedenti, ma quello che viene perso in complessità viene ampiamente riguadagnato da una scrittura felicissima dei brani, con punte di entusiasmante potenza e lirismo. Nel 1975 esce il live "USA" e per qualche anno non si sentirà più parlare dei King Crimson. Non così di Fripp che si era già cimentato nell'elettronica con Eno ("No Pussyfooting") e che ne farà tesoro per esperimenti chitarristici di elaborazione in loop (le famose frippertronics, che faranno scuola, di "Let The Power Fall"). E poi ancora le collaborazione con Peter Gabriel, David Bowie, Daryl Hall ("Sacred Songs"), ed uno splendido disco solista nel 1979 ("Exposure"). Fripp come ricercato chitarrista e produttore nonchè come 'testa pensante' del rock, perfettamente a suo agio nella incombente 'new wave' e nelle 'strategie oblique' teorizzate da Eno. Fripp 'nel mercato senza essere sottoposto alle sue regole'. Fripp, due occhi nel futuro e un grande passato mai rinnegato nè tradito.

Atto Terzo

Tutto ciò esula comunque da questa piccola trattazione e per quanto ci riguarda ritroveremo i King Crimson, a sorpresa, sette anni dopo "Red", nel 1981 con "Discipline". Molte cose sono cambiate: della vecchia line-up è sopravvissuto solo Bruford, batterista degli anni '60 così come del 2000, a cui si affiancano, oltre a Fripp, Tony Levin al basso e stick, ancora lontano da essere il ricercatissimo session-man dei giorni nostri, e Adrian Belew alla seconda chitarra. Una cosa salta subito agli occhi (e alle orecchie): dopo i fiati e il violino, Fripp ha deciso di utilizzare una seconda chitarra come seconda voce armonica.

Il focus di "Discipline" è tutto in questa primitiva scelta. Infatti il disco è tutto costruito sull'interazione tra Fripp e Belew, a volte all'unisono, a volte in dialogo, a volte in concordanza di fase, a volte in sfasatura, creando una specie di ipnotico minimalismo chitarristico. Il disco del ritorno è comunque degno del nome del gruppo, con uno splendido lento sentimentale come "Matte Kudasai", grandi esercizi di stile chitarristico ("Elephant Talk", "Frame By Frame"), furenti digressioni ("Indiscipline"), costruzioni ingegnose su ritmi tribali( "Thela Hun Ginjeet"), spazi spettrali (" The Sheltering Sky"). Manca quasi del tutto il pathos, l'epica strumentale ed emotiva dei King Crimson precedenti; rimane una grande ricercatezza sonora accompagnata da un'algida disciplina costitutiva. "Discipline " ci consegna un gruppo nuovo, moderno, tutt'altro che residuale, ma anzi ben spendibile in nicchie di mercato intelligente: un gruppo che ha lasciato alle spalle gli anni '70, perfettamente a suo agio nella disillusione e nella sintesi della parte intelligente degli anni '80, perfettamente consono al superamento dell'epica ed estetica rock del decennio precedente, senza per questo rinunciare alle proprie prerogative artistiche. Il bagaglio tecnico dei musicisti è, se possibile, ancora più alto e ciò permette un'espressività che risulta si' diretta e intelleggibile, ma anche molto ricercata, sia nella ritmica, mai così centrale nell'economia del gruppo, ondeggiante tra jazz-rock e falso tribalismo, sia nell'inedito lavoro chitarristico, minimalismo portante su cui si inseriscono il rumorismo onomatopeico di Belew (in "Elephant Talk") e le digressioni tese e vibranti di Fripp ("The Sheltering Sky"). Ancora meglio farà il secondo disco di tale formazione, "Beat", con due strumentali lancinanti ("Sartori In Tangier" e soprattutto la lunare "Requiem", una specie di delirio in chiave jazz) che valgono da soli il prezzo dell'album, ed un tentativo, riuscito di singolo con tanto di video-clip  ("Heartbeat"). Da ricordare anche la follia urbana di "Neurotica", degna colonna sonora di un racconto di Easton-Ellis.

Quando nel 1984 esce il terzo capitolo, "Three Of A Perfect Pair", molti gridano allo scandalo per i ritmi pop-dance di alcuni pezzi come la title track e "Sleepless". Le critiche appaiono, tanto più retrospettivamente, ingenerose. "TOAPP" è un ottimo disco, e se di pop si tratta, è pop stralunato, intelligente, metabolizzato e filtrato da una prospettiva di disimpegno straniante. Forse nel criticare il disco ci si dimentica che oltre ai brani leggeri troviamo in esso l'esercizio ambientale per bassi filtrati e chitarra esistenziale di "Nuages", nonchè le inquietanti improvvisazioni di "No Warnings" e "Industry". E, in fondo, "Larks' Tongues In Aspic Part 3", in cui il titolo dice già tutto. "TOAPP" è disco che marca una discontinuità rispetto ai due precedenti, lavori molto omogenei, sia per la ricerca di melodie accattivanti, sia per il recupero di un'astrattismo improvvisativo che riporta il gruppo a "Starless And Bible Black", ponendo l'album al contempo come il più orecchiabile e il più introverso e difficile di questa incarnazione della band. Ma una domanda aleggia sottotraccia: si tratta di progressive? "Non lo so e non mi interessa" potrebbe essere probabilmente la risposta di molti, Fripp compreso. Ma noi siamo legati a certe artifici, se non altro linguistici, e riteniamo che una risposta possa e debba essere data: si', indubbiamente le ambizioni e la struttura dei dischi di questa fase (e delle successive) sono inerenti al progressive. A "Three Of A Perfect Pair" segue un lungo silenzio, rotto musicalmente dalla collaborazione di Fripp con David Sylvian ("The First Day" e il successivo live "Damage") e dai dischi prodotti dalla scuola di chitarra dello stesso Fripp ("The League Of Crafty Guitarists").

Atto Quarto

Nel 1995 esce, a sorpresa e preceduto dall'Ep "Vroom", "Thrak". La line-up del gruppo questa volta non ha subito rivoluzioni: al quartetto Fripp/Belew/Levin/Bruford si sono aggiunti Trey Gunn allo stick e Pat Mastellotto alla batteria. Fripp denota questa formazione come 'double trio'. La band si ripresenta dopo undici anni e "Thrak" riceve critiche positive. Tali critiche sono forse in parte dovute alla distorsione per la lunga attesa. La continuità rispetto al gruppo di "Discipline" è evidente, con però alcune palesi differenze. Innanzitutto, sono nettamente ridotti i dialoghi e la rete chitarristica di Fripp e Belew, preferendo un approccio più diretto, meno eclettico, a tratti più duro. Poi comincia ad apparire un uso misurato dell'elettronica, mentre è evidente un arretramento della sezione ritmica, che ora suona molto più 'normalizzata' e meno creativa. Spesso si indulge in riff e digressioni aspre e schematiche, tangenti un approccio hard-rock, quasi a recuperare la visceralità e la ricerca di un impatto appartenente più al gruppo del biennio '73-'75 che al periodo successivo, seppur evitando accuratamente l'approccio stilistico ridondante e sovraccarico di chiaroscuri tipico del periodo. Però, al di là di queste considerazioni, quello che non funziona sono proprio i pezzi, con stanche riprese di "Red" ("Vroom", "Vroom Vrooom"), aggressività mascheranti brani certo non irresistibili ("Sex Sleep Eat Dream", "Dinosaur"), inutili accenni sperimentali ("B-boom", " Thrak"), improbabili disco-funk ("People") e superflui cameo elettronici ("Radio", prima e seconda parte). Rimangono due pezzi lenti, entrambi riusciti, "Walking On Air", in cui Belew ripesca certe atmosfere anni '50, e la più inquetante "One Time", nonchè le due brevi "Inner Garden", di gran lunga le cose più riuscite del disco. Complessivamente "Thrak" è il disco meno rappresentativo dei King Crimson, non perchè manchino spunti anche belli e interessanti, ma perchè fanno capolino due categorie fino ad allora inapplicabili al gruppo: la mediocrità e la prevedibilità. Infatti, la mediocrità di alcuni brani non può essere mistificata dalla fascinazione del nome del gruppo e, al contempo, per la prima volta il sound suona prevedibile seppur moderno.

Dopo "Thrak" Fripp, che ha fondato una sua casa discografica, la Discipline Global Mobile (DGM), in accordo con il suo sano realismo demitizzante, per il quale se esiste arte al di fuori delle regole del mercato certamente non esiste al di fuori del mercato tout-court, inizia a fare uscire una grande quantità di materiale, tra live postumi (da segnalare il cofanetto "Epitaph" con materiale del 1969), live del tour di "Thrak" ("B-boom") e dischi di improvvisazioni live ("Thrakattack"). Tendenza che prosegue a tutt'oggi in una logica che risponde a ovvie esigenze di mercato, sia di tipo economico (il denaro per Fripp evidentemente non è lo sterco del demonio) che strategico (tenere vivo il nome del gruppo). In questo contesto, nel 2000 riappaiono i King Crimson con un nuovo disco, "The Construction Of Light". I Crimson ritornano un quartetto, con i soliti Fripp e Belew accompagnati da Mastellotto e Gunn. Il disco è sicuramente migliore del precedente, si recupera nettamente il fitto e minimale dialogare chitarristico (in tal senso è più vicino a "Discipline" e a "Beat"), appaiono canzoni interessanti (l'ironico cyber-blues di "Prozak Blues", la title-track), con palesi riprese di temi passati ("Larks' Tongue In Aspic Part 4", "Fractured"). Però permangono delle perplessità. Innanzitutto si rimpiange Levin e soprattutto Bruford (Mastellotto non ha lo stesso carisma), e c'è un fastidioso sovrautilizzo della batteria elettronica. Poi il disco è molto costruito, a tratti alambiccato, tesissimo ma talvolta troppo convulso e narcisista, con poco e nulla del feeeling che residuava anche in "Thrak", come schiacciato nel vorticoso rotear di chitarre. Risulta certamente meno prevedibile e mediocre del precedente, ma appare una categoria anch'essa inedita per il gruppo: la noia. "The Construction Of Light" è un disco spesso noioso,a suo modo possente, deflagrante, interessante, modernissimo, ma anche tedioso. La critica in questa fase guarda al gruppo con una certa sufficienza: considerati (a torto) troppo vecchi per la stampa generalista, risultano fuori schema per il sottobosco progressive tradizionale. La realtà è che i King Crimson sono in questa fase, discussa e discutibile, inerenti al progressive come non mai, ma al contempo ne danno una direttrice personale, basata su una rigida disciplina strutturale, a suo modo anche influente (basti pensare a gruppi di tutt'altra origine e di varia ispirazione come i Tool, i Don Caballero e i Muse).

Nel 2003, dopo un'attesa di 'soli' tre anni esce "The Power To Believe". C'è una discreta attesa attorno al disco, alcuni (che lo ascoltano in anteprima) parlano esplicitamente di capolavoro, di una deriva metal. "The Power To Believe" non è un capolavoro, e non è nemmeno un disco metal. Nonostante cio', è di gran lunga il disco migliore della quarta fase del gruppo. La line-up è immutata rispetto a "Construction Of Light", ma l'album appare molto più lucido e articolato, riprendendo in parte il furibondo minimalismo del precedente senza elevarlo a rigida metodologia. Si cita inoltre il tentativo di rock alienato e difforme di "Thrak", stavolta supportato da vera inquetudine e vera ispirazione. L'opera si pone in un'ipotetica terza via rispetto alle tendenze del recente passato, tesa tra convincenti spirali chitarristiche, ora dure ("Level Five") ora minimali ("Elektrik"), tra deliri suburbani ("Facts Of Life"), strane cantabilità ("Eyes Wide Open"), progressioni possenti ("Dangerous Curves") ed astrazioni elegiache ("The Power To Believe 2 e 3"). "TPTB" è disco sovraccarico di lancinanti toni cupi e tecnologici, e sembra chiudere il filo rosso che ha unito i King Crimson da "Discipline" in poi, ponendosi come opera di sintesi tra le ricercatezze iperstrutturali degli anni '80, le frippertronics e l'approccio rigido e aggressivo della nuova formazione. Opera di sintesi e come tale, crediamo e speriamo, opera in un certo senso conclusiva di un periodo. E dopo? Sarà rispettata la 'regola dei tre dischi'? Dopo la quarta fase se ne aprirà una quinta del tutto nuova? Con quali musicisti ? Oppure Fripp deciderà di insistere su questo gruppo, e se si' con quali artifici ripresenterà i King Crimson? E, in tutti i casi, sapranno raccontare ancora il futuro, se non altro il 'loro' futuro? Qualunque sia la risultanza, noi saremo sulla riva del fiume ad aspettare un miracolo o magari solo un buon disco.

Michele Chiusi

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